miercuri, 4 aprilie 2012

Toată lumea din familia noastră (2012)

Deși susține că este un regizor profesionist și nu neapărat un autor sau un obol de recurențe proprii, Radu Jude ne întâmpină încă de la primul cardu al filmului Toată lumea din familia noastră cu o imagine ce îmi amintește de unul dintre precedentele sale filme, Cea mai fericită fată din lume, îl vedem așadar pe Marius, interpretat de Serban Pavlu, bând pe nerăsuflate o sticlă cu apă, așa cum Delia, personajul principal din  Cea mai fericită fată din lume, trebuia să dea gata în mod repetitiv, cu fiecare dublă, câte o sticlă de suc pentru ca reclama în care juca să iasă cel puțin impecabil. 


Pentru a continua analogia în cadrul aceleiași ograde filmografice se observă traiectoria unei claustrofilii încă de la precedentul Film pentru prieteni, mai puțin pregnantă însă în Toată lumea din familia noastră deoarece aici avem de-a face cu ceva mai multe personaje permutate în cadrul aceluiași spațiu limitat, dar atât de bine dozat, domesticit, aranjat. Personajele sunt parte integrantă și prelungire a apartamentului dezordonat unde se petrece mare parte din acțiune, aproape baroc ca aglomerare, dar prietenos. Mișcarea naturală, browniană a personajelor, agitația lor creează (paradoxal) o ordine a dezordinii obiectelor și culorilor (biblioteca generoasă, patul dezordonat, camera fetiței, bucătaria aglomerată). 


Pe de altă parte fuga de spațiu deschis la Jude este cumva similară cu temerile pe care le-a încercat cineastul francez Francois Truffaut. Scurtele momente în care este surprins în spațiu deschis, în oraș, ni-l prezintă pe Marius exclusiv în mișcare, el gonește pe bicicletă, merge cu mașina, ca la final să-l surprindem, de fapt să ne surprindă, depărtându-se din cadru rănit, atât fizic cât și lăuntric (probabil). Însă o notă comică aruncată de către un personaj pasager redresează eventuala pantă-dramatic-descendentă a finalului. Tocmai aceste accente comice scot filmul din eventuala convalescență a socialului, nu cred să fie vorba despre un film  cu semnale acustice direcționate către violența domestică. El este un decupaj, e un construct convenabil menit să sugereze, nu să arate o realitate.  La antipod se poate da ca exemplu finalul bibilit, misticos, graitor, finalul-punct al unui film cam din aceeași generație: Din dragoste cu cele mai bune intenții.


Tatăl face o vizită casei fostei sale soții pentru a-și recupera fiica cu intenția de a o duce într-o mini vacanță. O doleanță de bun simț ca acesta ia proporții neașteptate, tensiunea dintre personaje iscată pe fondul unui trecut ratat și a unui prezent incert scurmă în zgura personajelor și le scoate la suprafață scheletul pueril, încă moale, încă fraged al absurdului. Un absurd comic însă, încordarea anumitor scene este spontan detensionată de prezența insulară, dar precisă a unor intrânduri comice neașteptate. Ele intră în micro-lumea apartamentului ca o mână demiurgică venită dintr-un univers paralel. Comicul este aici a patra dimensiune a poveștii. El se întrupează în locuțiuni, în vorbe de duh, în lamentații și injurii amestecate aparent neomogen, însă cam același dozaj de integritate erudit-verbalizată intercalată cu jargonul nevrozei plin de infame palavre se regăsește și în discursul lui Gabriel Spahiu din Film pentru prieteni.


Și ca să rămân tot în sfera analogiilor  (întâmplătoare) se observă cum Toată lumea din familia noastră apare într-un moment în care Polanski ne-a arătat deja prin Carnage cum aceeași proximitate forțată a unui număr restrâns de personaje duce la același soi de puerilizare și demistificare a maturității. În filmul lui Jude luăm parte la o dublă demistificare, îl vedem pe Marius atât în ambientul căminului părinților săi (interpretați turbulent de natural de Stela Popescu și Alexandru Arsinel) prins într-o ceartă-nonsens și mai apoi în fostul său apartament, în prezent al soției (Mihaela Sirbu), prietenului ei (Gabriel Spahiu), fetiței (interpretată extraordinar de micuța Sofia Nicolaescu, scenele ei sunt lungi, hazoase și pline de esență esențe) și soacrei (interpretată de Tamara Buciuceanu-Botez, iarăși o recilare actoricească benefică). Ambientul este cel care îl face pe om, legătura om-spațiu este una generoasă și naturală, camera de filmat este localizată mai tot timpul în spațiul restrâns rămas între personaje, aproape că ea este un obiect de mobilier în dezordinea sensibilă, artistică a apartamentului, aș exagera poezia până într-acolo încât să zic că parcă obiectele din camere sunt cele care filmează personajele. 

Noul film semnat Radu Jude este o surpriză mai mult decât plăcută, este un film conglomerat, un film supra- concentrat, îndrăzneț prin comicul izolat de consistent, el demistifică nu numai un conținut (ideologic), cel al maturizării, dar în egală măsură demistifică minimalismul cinematografic românesc, el arată cum spațialitatea redusă la necesar poate articula atât de fluent o gamă largă de simțiri, frustrări, acțiuni. Toată lumea din familia noastră refuză linia dreaptă trasată confortabil între un A și un B și alege să creioneze cu talent deloc naiv o încrengătură de posibilități între cele două puncte. 

Andrei Gorzo despre subiectivitate și discurs

Paragrafe de bun augur decupate din cel mai recent număr al revistei Film Menu, unul chiar foarte reușit și dedicat mistic minunatului Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives


Andrei Gorzo: De obicei oamenii care spun ca totul e subiectiv procedează fraudulos din punct de vedere retoric deoarece asociază orice obiectivitate cu obiectivitatea de tip Dumnezeu - ceva ce cunoaște tot, a văzut tot, poate fi simultan în toate punctele și poate vedea o problemă din absolut toate unghiurile posibile, ceea ce descris astfel, pare într-adevăr inuman. Pe de altă parte un fenomen poate fi contextualizat într-un mod relativ obiectiv de cineva care cunoaște un spectru destul de larg de tradiții și are și intuiția de a plasa obiectul la locul lui. Plasarea corectă a unui obiect ține parțial și de intuiție, nu doar de erudiție. Poți să cunoști toate tradițiile și să plasezi prost un film. Dar e clar că dacă tu cunoști acele tradiții și ai și un pic de intuiție, vorbim în cazul tău despre o obiectivitate mai mare, în termeni relativi. Subiectivitățile nu sunt egale. E ca olteanul proverbial care vede pentru prima oara o girafă și spune că nu există așa ceva pentru că în experiența sa de viață nu există girafe. Cineva care se întoarce dintr-un safari unde tocmai a împușcat o serie de girafe, e și el subiectiv, dar experiența sa în raport cu girafa este mai obiectivă decât a olteanului. 

(...)

Andrei Gorzo: Mă deranjează oamenii care scriu de sus in jos, oamenii care scriu ostentativ simplu- hai să simplificăm discursul ca să se înțeleagă- mi se pare o formă de lipsă de respect față de cititor. Aici sunt perfect de acord cu Cristi Puiu, care, atunci cand spune că face filme care își respectă spectatorii, vrea să spună că face filme atât cât poate el de bine în speranța că unii oameni vor relaționa. Atitudinea asta de simplificare a discursului din frică de a nu fi înțeles- din lipsa de încredere în cititori- e ceva ce nu-mi miroase a bine. 

marți, 3 aprilie 2012

The Hunger Games (2012)

The Hunger Games a reușit să genereze o frenezie (chiar globală) aproape inexplicabilă, succes catalizat și de popularitatea cărților, 3 volume la număr. La o primă vedere subiectul este unul cât se poate de amoral și de scandalos, asta dacă e turnat într-o formă compatiblă: o mână de adolescenți sunt aruncați într-o pădure și obligați să se ucidă, asta în timp ce sunt vizionați de un public bălind la blidul entertainment-ului. Imoralul  situației a fost surprins cu mult mai autentic (și chiar într-o tonalitatea umoristică) de către filmul japonez Battle Royale (2000). Având la dispoziție cam același plot, Battle Royale reușeste să fie ceva mai veridic, mai minimalist, cu mult mai îndrăzneț și mai sadic.


Battle Royale

Vecinătatea conținutului celor două filme e oarecum întâmplătoare, Battle Royale este un film-decupaj-ipotetic pe când The Hunger Games a apărut într-un moment în care imaginarul filmic se scurge în realul societal, intriga narativă se pliază pe criza economică actuală și iau naștere astfel o serie de analogii care trec nestingherite printr-o serie de falii temporale, ba personajul Katniss Everdeen (interpretată de talentata Jennifer Lawrence) este o Artemis post-modernă, ba filmul trage de clopotul stomacului global ca să i se audă ghiorăitul la nivel intergalactic. Exagerez hiperbola căci la fel de exagerată este și lauda adusă acestei găselnițe ludice a foamei, care foame e atât de translucidă că deși sintactic e prezentă, semantic lipsește cu desăvârșire. 

Ce-i drept chimia personajelor (Jennifer Lawrence și Josh Hutcherson) face câteva balonașe în retortă, avem și-un Woody Harrelson bahic pe post de mentor ratat, însă restul personajelor nu sunt decât gloate kitschioase, hiper-cromatice de umonoizi travesti. Viitorul post apocaliptic  post-recesiune este unul roz în cel mai propriu și mai cărnos sens al culorii. Aproape că devine agresivă această idee cum că oamenii viitorului trebuie să arate vestimentar cel puțin ca Lady gaga. Însă filmul nu este decis asupra bucații temporale pe care o molfăie cu gura flămândă și uscată, masticația mută dumicatul temporal ba în cavitatea unui timp ce pare să aducă cu o versiune vintage a lagărelor naziste, ba în pădurea unui timp prezent unde puberii se urmăresc ca niște predatori, ba în viitorul hiper-cromatic mai sus amintit. Probabil că în cadrul cărților lucrurile sunt ceva mai precise.


Filmul își propune să fie pe lângă un fals semn de alarmă tras la porțile recesiunii și o scurtă lecție de PR și marketing. Apoi în ciuda subiectului destul de ofertant (din punct de vedere amoral) filmul (și cartea bănuiesc, deși am auzit că-i cu mult mai hardcore decât pelicula) își trasează (paradoxal) limita și conturul unui politically correctness deranjant de evident care spre final devine hilar, dacă nu penibil, unde mai pui că ultimele acorduri răsună jalnic până la piciorul metric al sonetelor shakespeariene (vezi nereușitul suicid cu mure). Iar secvența oarecum cheie a filmului menită să sublinieze instinctul înnăscut hain al puberului, e de fapt balet surd, stilizat, cosmetizat, ascuns de privirile unui public presupus pudibond. 


Există pe de altă parte și un abuz al CGI-ului care e atât de convenabil plasat încât nu-i mai trebuie nicio logică de bun simț, el este pur și simplu, CGI-ul e aici un demiurg atotputernic, e dumnezeul habotnicilor, n-are nevoie de nicio explicație, el apare pe cer din neant, scuipă foc și știe tot datorită unor discipoli de soi care îi manevrează butoanele dintr-un turn de control și fildeș cibernetic. Râmânând tot la nivelor datelor tehnice, e uimtor cum de un film doldora de cadre mișcate și momente de (probabil) handy-cam poate avea atâtea încasări la boxoffice (a obţinut încasări de 155 de milioane de dolari în primul weekend). 

vineri, 30 martie 2012

Finalisti la roBlogFest7

Dragi buticoşi, de dragul distracţiei şi al competiţiei puteţi susţine Buticul la categoria Blog de film în cursa Blogfest ediţia 7 votînd aici. Mai sunt vreo 4 zile de votare. Mulţumesc băieţilor de la Marele Ecran pentru reminder.
Buticul vă mulţumeşte :)!

Dragostea și Moartea- rădăcini comune

Înainte de toate Jacques Derrida:


Următorul dialog este extras din Cea mai frumoasa istorie a iubirii de Dominique Simonnet:



-Ne lovim de la început cu definiția dragostei. Deja în lumea animală, a existat dintotdeauna necesitatea ca indivizii de un sex să îi caute pe cei de celălalt sex, pentru a perpetua specia. Unele animale formează chiar cupluri durabile, spre exemplu prădătoarele, corbii, lupii care se unesc pe viață. Există deci la acestea o adevărată legătură între sexe diferite. E oare dragoste? Cred că ar trebui să vorbim mai degrabă de instinct. Pentru a găsi un adevărat sentiment profund, care incită la evaluarea calităților celuilalt, la alegerea partenerului, la decizia de a-ți petrece timpul în compania lui, trebuie să așteptăm dezvoltarea creierului și deci al lui Homo Sapiens, adică a omului modern. 

- Strămoșii noștri austrolopiteci, Homo Habilis, Homo Erectus, nu au deci această calitate în ochii dumneavoastră? Micuța Lucy, faimoasa austrolopitecă de 3 milioane de ani, n-ar fi putut fi îndrăgostită?


 
-O văd ca pe o maimuțică. Știți, maimuțelele sunt drăgălașe când le privești. Această ființă verticală putea avea farmec pentru ființele similare. Exersa o seducție asupra unora sau era atrasă de altele. Dar de dragoste în sensul în care o înțelegem noi astăzi, nu sunt atât de sigur...Nu mi-l imaginez nici pe Homo Erectus dotat cu o abilitate atât de subtilă. Nu cunoștea înmormântarea, își abandona morții, găsim scheletele lor abandonate, împrăștiate, amestecate cu oasele animalelor...

-Homo Sapiens era totuși ceva mai delicat.

-El este primul care acordă grijă specială morților săi, ceea ce denotă fără putință de tăgadă o formă de atașament față de semeni. Sunt înclinat să cred că sentimentul iubirii merge mână-n mână cu atenția acordată morților, ca și cu sensul estetic al ornamentării.
(...)

Noi, istoricii specializați în preistorie, ne-am aplecat asupra silexului, resturilor de oase, bucăților noastre de ceramică și avem unele dificultăți în a citi realitățile umane. Putem analiza descoperirile arheologice și încerca să ne imaginăm care erau structurile sociale, relațiile între indivizi. Dar nu sunt decât interpretări. Dispunem, de asemenea, de gravuri, de picturi preistorice, de statui de zeități feminine...dar arta are o funcție simbolică, reflectă o mitologie și nu o realitate. 

joi, 29 martie 2012

Femeia Culcată și Demiurgul de Lars von Trier

 Antichrist (2009)




 Dogville (2003)

Breaking the waves (1996)

După ce a rostogolit coca femeii prin toată făina creștină și-a frământat-o cu pomezi păgâne, după ce a ridicat-o în slava cerului ca să o coboare și s-o sacrifice ba omenirii, ba bărbatului, ba universului pe de-antregul, Trier pregătește The Nymphomaniac, o antologie (probabil scandaloasă) pe capitole și evanghelii, așa cum ne-a obișnuit, din distribuție făcând parte aceeași mistică Charlotte Gainsbourg alături de același înger și demon Willem Dafoe.

miercuri, 28 martie 2012

Filme la care plangi de sare camasa de pe tine

Teo de la Despre Filme mă invită să-mi calc pe orgoliu și să enumăr cel puțin 5 filme care mi-au stors...vlaga. Cu riscurile de rigoare:

1. Hachi: A Dog's Tale


2. Inside I'm dancing


3. A moment to remember


4. Mar Adentro


5. The painted veil (evidement)


6. Johnny got his gun (multumesc lui Film Sinopsis pentru filmul asta)


Vă poftesc și pe voi să...vă călcați pe orgolii. 

luni, 26 martie 2012

Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (2010) - despre familiaritatea bizarului thailandez

Câștigătorul premiului Palme d'or în 2010 aduce tocmai din Thailanda un suflu cald și rece, mistic și palpabil, fizic și metafizic, zonal și transcultural până la poalele occidentale terfelite prin colbul mundanului, a prea-realului și a prea-acum-ului. Este de datoria conștiinței european-creștine să îndulcească finalitatea vieții de aici cu miasma mireasma celei de după, orientul în schimb trage o linie punctată între cele două, lăsând să se scurgă printre lacunele rămase nu ectoplasme sau alte prezențe dubioase ci un adevărat deluviu revelator de credințe.  


La o primă vedere am avea de-a face cu o trecere fantomatică prin cadru a unor prezențe bizare, mitice, însă suprinzător de familiare și de domestice. Această familiaritate a bizarului se manifestă prin prezențe conștiente, neutre, hai să le zic încarnări ale sufletului trecut. Sufletul este un verb predispus conjugării, aici sufletul la timpul trecut e unul colectiv și mitic. Tehnic vorbind, reprezentarea acestui suflet colectiv și trecut (trecut putând avea și semnificația de copt) este una cât se poate de minimalistă și de seducătoare. Cadrele statice și lungi menite să prezinte această reprezentare bizară a sufletului, a vieților trecute ale unchiului Boonmee, sunt hipnotice, sunt un fel de mantre vizuale.


Aceste imagini-mantră se uită practic  la tine cu priviri fixe, primare, atemporale, primordiale, fixația cadrului este impresionantă și pe alocuri infricoșător de vie. Experiența vizionării este una mistică, eludată de tentaculele civilizației, mare parte din film fiind plasată în mijlocul unei păduri luxuriante unde cromatica e la rându-i primordială și atemporală. Proximitatea geografică și culturală mă îndeamnă să asemăn acest misticism grăitor, dar static, cu secvența nuntirii vulpilor din Visul lui Akira Kurosawa. Pădurea, peștera sunt locuri în care nașterea, moartea, renașterea devin permutabile și consensuale, ele nu se exclud și parcă nici nu se succed. Practic filmul pare să suspende această succesiune, această cronologie. Ceea ce le-ar lega de fapt este frica de moarte și dorința de a trăi, aici frica nefiind un impediment tragic, succesiunea lor este un joc secund, ea nu are importanța occidentală. Un alt element care să ateste această suspendare a succesiunii se regăsește spre final într-un scurt moment de ubicuitate a trupului. 


Structura filmului și întretăierea lui episodică pot fi ușor confundate cu o oarecare neclaritate scenaristică, cu un soi de onirism pretențios, însă această structură este privată la rându-i de succesiunea mai sus amintită ceea ce denotă faptul ca ideea filmului s-a eliberat de colivia confortabilă a conținutului (de regulă autosuficient) și s-a infiltrat dincolo de acesta, a trecut în acea lume de dincolo de care aminteam la început, un dincolo prezent, conștient, domestic. 


duminică, 25 martie 2012

Cele mai bune filme - Leapșă imposibilă

Marian de la Film Sinopsis îmi trimite via Cinemateca Trisk o leapșă imposibilă, așa că mă găsesc în ipostaza de a da cam câte un singur exemplu pentru categoriile următoare:


Secțiunea A. Filme Străine 

1. Filmul preferat: I saw the devil
Pe genuri

Animaţie: Hawl’s s moving castle

Acţiune: Dirty Carnival

Dramă: Mar adentro

Comedie: Gettin’ Any?

Istoric: Spartacus

Mister: Alphaville

SF: Artificial Intelligence

Război: JSA- Joint Security Area

Crime: Rear Window

Fantezie: Pan’s labyrinth

Horror: A tale of two sisters

Sport: o să zic Banlieue 13

Documentar: Nuit et brouillard

Muzical: Romance and Cigarettes

Romantic: 3-Iron

Biografic: Mishima-A Life in four chapters

Thriller: The usual suspects

2. Cel mai prost film: The mist

3. Cel mai bun 3D:  Pina

4. Cea mai mare dezamăgire – The Brothers Grimm
5. Ultimul film vizionat – The taste of tea

6. Ce film necunoscut ai recomanda (3 opţiuni) : A frozen flower, The Quiet Family, Written

Secțiunea B: Filme româneşti

1. Filmul românesc preferat – Cea mai fericită fată din lume

2. Ce preferati: filmele de dinainte de 89 sau cele actuale? – actuale

3. Cel mai slab film românesc – cu riscurile de rigoare și din categoria cel mai prost film care putea fi bun: Francesca

4. Cinci filme româneşti pe care le-ai recomanda: Portretul luptătorului la tinerețe, Din dragoste cu cele mai bune intenții, Duminică la ora 6, Îngerul necesar, Nunta de piatră

 5. Ultimul film românesc văzut: Ceva bun de la viață

să meargă leapșa mai departe pentru orice dorește :)

joi, 22 martie 2012

Gamba lui Buñuel

 The Criminal Life of Archibaldo de la Cruz (1955)

Viridiana (1961)

Mai puteți vedea și Genunchiul lui Truffaut.

marți, 20 martie 2012

Detachment (2011) - riscurile meseriei de profesor

Detachment e un film la care te poți uita purtând permanent în minte o balanță comparativă și pe cap o cunună de spini, exteriorizare a unei conștiințe care nu știu dacă e cu adevărat conștiință sau milă sau poate o trăire cu adâncimi analitice și profund interogative. Această comparație implică pe de o parte realitatea (exacerbată, poate) a sistemului de învățământ american și realitatea mioritică, cu mult mai docilă parcă. Comparația e permutabilă și probabil că se pliază cultural pe mintea fiecărui privitor în parte indiferent de sorgintea, educația și toposul acestuia. 


Venind din partea regizorului Tony Kaye, cel care s-a dovedit a fi deosebit de incisiv, de realist și de memorabil prin filmul său de referință American History X, Detachment păstrează aceeași senzație subcutanată și o forță impactuală similară. Însă spre deosebire de American History X unde personajele coc și usucă fructul răului într-un mod natural, succesiunea anotimpurilor sufletului fiind una graduală, de această dată exemplele ce sunt date pentru a sublinia mentalitatea și comporamentul putred al elevilor sunt cumva extreme, ele sunt atât de decupate încât pe alocuri își pierd forma naturală (eleva obeză amorezată de profesor, elevul de culoare veșnic nemulțumit, eleva asiatică și ușuratică etc). 


Însă pe de altă parte această abordare in extremis poate trece dincolo de granița filmului, poate da o gleznă peste dâmbul artisticului și poate păși sfios pe solul CSR-ului, manifestându-și vădit și vizibil această voință de trezire a conștiinței opiniei publice. Furia elevilor, sadismul lor inexplicabil, răul prim de la William Golding citire, toate colcăie în filmul  Tony Kaye, dar viermuiala lor nu este justificată, explicată, remediată așa cum a făcut-o în American History X, nu este nici absurdă, nihilistă ca în filmele lui Gus van Sant, nu este nici demonică așa cum este în cazul recentului We need to talk about Kevin, ci această furie-cumul este un femomen realmente trist, ea pare să vorbescă despre o regresie, despre un protest deconstructivist, despre o dezintegrare aproape insuportabil de văzut a egoului chiar înainte de sedimentarea lui.


Filmul este potențat în sensibilitate de jocul incredibil de versatil al actorului (și producătorului) Adrien Brody care interpretează rolul unui profesor suplinitor ce pare imbatabil în fața elevilor săi imposibili, dar care, in particular, se confruntă inevitabil cu proprii săi demoni. Inconfortul transmis de film se datorează în mare parte dialogului foarte bine dozat, un dialog aproape ritmat, un dialog concentrat, exemplar, construit în așa fel încât să sune ca vorbele de duh ale unui om învățat într-o agoră. În egală măsură apropierea față de film și disconfortul acestei proximități este datorată și modalității dinamice de filmare. 


Focusarea este bruscă și vizibilă, camera de filmat este tot timpul în miscare, dar atentă și în permanenetă concentrare și pe alocuri întreruptă de porțiuni animate și la fel de dinamice (o trăsătura ce pare să devină specifică filmelor independente). Dacă în spațiul mioritic sistemul de învățământ este cel care dă bătăi de cap elevilor așa cum am arătat aici, atunci spațiul american, în măsura în care filmul de față reușește să-l surprindă întocmai, se confruntă cu o reală criză care trece dincolo de sistemul de învățământ și se instalează în plan ontologic și deontologic. Întrebarea nu este dacă învățătorul, dacă sistemul mai este bun, dacă mai poate fi îmbunătățit cumva ci dacă subiectul de studiu, elevul, mai este încă perfectibil, dacă mai este încă bun, dacă materialul său mai suportă modelarea, biblic vorbind, dacă vasul mai are nevoie de olarul său. Detachment este un film care îndrăznește să învecinze sistemul educațional cu cel existențial într-un mod realmente veridic, incisiv și intravenos. 

sâmbătă, 17 martie 2012

De weekend: Safe House și This means war



Puteți citi o mini cronică scrisă de butic la Safe House aici, iar pe cea la This means war colea :)